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(english and spanish below)

PI(È)CE

Des de 2011,  sóc directora escènica i coreògrafa del projecte PI(È)CE, que desenvolupo junt amb el dramaturg Albert Tola, el productor i fundador del teatre Tantaranta Julio Álvarez i en col.laboració amb el teatre Tantarantana.

PI(È)CE és un projecte de creació escènica intergeneracional i intercultural amb caràcter social que es du a terme en els barris del Raval i del Poble Sec de Barcelona. Al llarg d’un procés de vuit mesos treballem en horari escolar a dins de diversos instituts i en espais de trobada artístics de la ciutat.

El projecte intergeneracional de creació escènica PI(E)CE inicia les seves primeres passes el 2011, impulsat i produït pel Teatre Tantarantana de Barcelona amb el seu fundador i productor Júli Álvarez, i per la coreògrafa Constanza Brncic i el dramaturg Albert Tola. En la seva primera edició es tractava d’un taller de creació escènica dirigit a joves del barri del Raval i realitzat fora de l’horari escolar. En les quatre edicions següents s’incorpora gent gran del barri i es comença a treballar als instituts públics de la zona, en horari lectiu i en col·laboració amb l’equip docent dels centres. El resultat és una experiència artística i social que propicïa dinàmiques d’escolta i de reflexió al voltant dels processos d’aprenentatge, del lloc i de la funció de l’art i, en definitiva, al voltant de l’entorn social, polític i econòmic de les persones implicades. A través de la paraula i de la dansa, a través de la trobada entre persones de diverses edats, procedències i llengües, proposem una immersió en un procés de creació col·lectiva: el resultat es presenta al teatre, que obre les seves portes a altres públics, a altres mirades. El marc teòric del projecte trobarà ressò acadèmic en una ponència que presentarem sobre PI(E)CE al llarg del XXVI Seminario Internacional del SELITENET (Centro de Investigación de Semiótica Literaria, Teatral y Nuevas Tecnologías) sobre “Teatro y Marginalismos por sexo, raza e ideología en los inicios del siglo XXI”, a la UNED, Madrid.

En els darrers 10 anys, el projecte ha crescut en participació, impacte social, i qualitat artística. Hem treballat amb el suport de la xarxa territorial i de diverses institucions que desenvolupen projects afins amb els que hem pogut col·laborar. Per exemple, el projecte Habitació 1418 és un espai per a joves entre 14 i 18 anys que el CCCB i el MACBA obren tots els dissabtes a la tarda amb la finalitat de donar als joves un espai creatiu a través de tallers i d’altres activitats. Fa dues edicions que treballem conjuntament amb aquest projecte, tot creant un tercer grup en el qual barregem als joves usuaris de l’espai Habitació 1418 amb d’altres, que provenen de les escoles a on assagem alhora, i que habitualment provenen d’altres barris de la ciutat. En aquestes trobades, els joves dels instituts i dels cors descobreixen un espai que no coneixien i que es troba al seu propi barri, i això esdevé una bona oportunitat per a que el facin seu. Amb un caràcter semblant, però en l’àmbit musical, Clavé XXI és un projecte de corals per a joves de Ciutat Vella. Dos dels seus cors van unir-se al treball escènic i al musical, tot ampliant l’àmbit d’impacte al Barri Gòtic. La Fundació Arrels és una entitat que cerca la reinserció social de persones sense sostre al barri del Raval. TotRaval és una associació que coordina i recolza el conjunt del teixit associatiu, així com les institucions de la ciutat que tenen finalitats socials en el barri del Raval. A través d’aquesta associació hem pogut arribar a més persones grans d’aquesta zona i hem donat a conèixer el nostre treball, tot obrint-lo a la participació del barri. La Facultat de Ciències de la Educació de la UAB s’ha involucrat en el projecte en l’edició de 2016/2017, a través de la participació de la doctoranda Amalia Giannotsou, que farà la seva tesi doctoral en pedagogia sobre el Projecte PI(E)CE. La UAB s’ha compromès a aportar el material que la doctoranda reculli, així com mètodes d’avaluació i d’intercanvi i reflexió sobre el treball pedagògic i artístic que desenvolupem.

Al llarg d’aquests 10 anys, hem treballat amb el recolzament de Foment de Ciutat Vella i de l’IMEB (Institut Municipal d’Educació de Barcelona) i darrerament hem anat incorporant nous “partners”: el projecte Habitació 1418 del CCCB/MACBA, el projecte Clavé XXI del Palau de la Música Catalana, la Fundació Arrels, l’Associació Tot Raval i la Facultat de Ciències de l’Educació de la Universitat Autònoma de Barcelona.

Des de 2018 PI(È)CE forma part del projecte europeu RAPPORT, recolzat per Europe Creative, junt amb els parteners ACTA Theatre (Regne Unit), Teatr Grodzki (Polònia), Historiaberattana (Suècia). Al 2021 es presentarà el resultat d’aquest treball en el Tetre del CCCB de Barcelona.

 

Informació: DEF_Dossier_lidieuenmar_PIECE

Per més informació sobre PI(E)CE podeu descarregar el dossier: PI(E)CE cat

Link al video Li diuen mar: https://www.youtube.com/watch?v=HuqtnzSA2xM

Més informació sobre PI(È)CE: http://tantarantana.com/projecte-comunitari-social-piece/

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castellano

PI(È)CE

INTRODUCCIÓN

El proyecto intergeneracional de creación escénica PI(È)CE inicia su andadura en 2011, bajo la coordinación y dirección artística de Constanza Brnčić, Albert Tola y Julio Álvarez, e impulsado y producido por el teatro Tantarantana de Barcelona. En su primera edición se trataba de un taller de creación escénica dirigido a jóvenes del Raval que se realizaba fuera del horario escolar. En las ediciones siguientes se incorporan personas mayores del barrio y se empieza a trabajar en los Institutos públicos de la zona, en horario lectivo y en colaboración con el equipo docente de los centros. Desde 2016 se ha configurado un grupo semiestable y permeable, hecho de participantes de todas las ediciones de PI(È)CE, a la que hemos dado el nombre de Compañía PI(È)CE, y con la que creamos proyectos específicos y de más envergadura.

El resultado de todos estos encuentros es una experiencia artística y social que propicia dinámicas de escucha y reflexión sobre los procesos de aprendizaje, sobre el lugar y la función del arte y, en definitiva, sobre el entorno social, político y económico de las personas implicadas. A través de la palabra, la danza y la música, a través de los encuentros entre personas de distintas edades, procedencias y lenguas, proponemos una inmersión en un proceso de creación colectiva: el resultado se presenta en el teatro que abre sus puertas a otros públicos, a otras miradas.

CÓMO TRABAJAMOS

El proceso, como ya indicamos más arriba, consiste en ensayar en las aulas de los institutos públicos de la ciudad durante horas lectivas. Con la complicidad de algunas personas mayores del barrio, creamos una pieza escénica a partir de cada grupo concreto: desde el grupo y hecha como un guante para el mismo. En consecuencia, si se ausenta alguien del proceso, el espectáculo queda invariablemente modificado. El trabajo busca predisponer a estudiantes, profesores, artistas y voluntarios a un estado de escucha y atención. En este sentido la escucha es la línea maestra que abarca todos los aspectos de nuestro proyecto, es el principio metodológico que nos guía durante los ensayos.

Debido a esta metodología, resulta imposible anteponer una forma o un contenido temático al encuentro con el grupo, si bien en las últimas ediciones han emergido de manera natural temas como la identidad y la memoria. Atendemos a lo que aflora y lo hacemos crecer intuitivamente. El proceso de escucha implica a menudo una lectura

entre líneas, debido a que los distintos constructos culturales, identitarios y sociales, dificultan a los participantes una expresión directa de aquello que les afecta. Por ello mismo la experiencia de estos años nos ha conducido a trabajar sobre los sueños como punto de partida para la creación de paisajes oníricos. La improvisación desde el cuerpo, el movimiento y la escritura automática, generan un modo indirecto de crear materiales así como de exponerlos, y conceden al pudor una fuerza expresiva notable que constituye un lenguaje escénico específico y raro en este tipo de espectáculos. El trabajo de creación musical también parte de las posibilidades y habilidades de los participantes, así como de la inserción, durante el proceso, de objetos sonoros e instrumentos sencillos con los que se crea un universo musical y sonoro particular en cada pieza. La música está estrechamente vinculada a las acciones escénicas y se crea o aparece en el propio proceso de construcción de la pieza.

Esta textura onírica vehicula un encuentro entre la coreografía, la palabra y la música, nacido de la escucha y la complicidad de nuestra colaboración como coreógrafa, dramaturgo y músico. Así, a lo largo de los años, se ha ido fraguando un lenguaje escénico propio, en el que confluyen estos tres niveles.

CUERPO, PALABRA, MÚSICA: TRES NIVELES DRAMATÚRGICOS

La construcción dramatúrgica de la pieza, como decíamos, se compone de tres niveles: el cuerpo, la palabra y el sonido. Cada uno de estos tres niveles nace y se desarrolla a partir de las temáticas que afloran en el proceso. En el trabajo musical, se busca crear un universo sonoro propio de cada pieza, que nace del gesto de los intérpretes, de su manera de recorrer el espacio y también de lo que la propia narrativa escénica requiere. Así, los participantes pueden cantar, hacer sonidos con diversos objetos, bailar con músicas que el músico propone y compone. El trabajo coreográfico está muy atento a esta vinculación con el sonido, así como la palabra que se dice en escena también atiende a la musicalidad general de la pieza. Los tres niveles componen una dramaturgia compleja en la que los sonidos y las palabras resuenan en el gesto del cuerpo, el movimiento genera sentido y también sonido y en la que se abren una gran diversidad de posibilidades de lectura.

OBJETIVOS

El objetivo general del proyecto es crear un espacio de encuentro entre personas de distintas edades, procedencias, lenguas y estratos sociales que raramente hallan la ocasión y el lugar para escucharse. A través del proceso de creación, buscamos propiciar un ambiente de trabajo en que nos acompañamos los unos a los otros en la construcción de algo en común.

La creación de una pieza escénica que se presenta en el teatro, es el resultado tangible de este proceso. Esta pieza escénica quiere responder a una serie de objetivos artísticos: una investigación de la relación cuerpo/lenguaje/sonido; una búsqueda de verdad escénica; una indagación sobre nuevas formas de poner en escena lo inconsciente y lo colectivo.

Responde también a una serie de objetivos pedagógicos: propiciar la posibilidad de expresión, en la colectividad, de la emoción y la mirada sobre las cosas de cada uno de los participantes, así como el trabajo en equipo; fomentar la responsabilidad, el cuidado del otro, el respeto; ofrecer herramientas esenciales para el aprendizaje como la estructuración del pensamiento, la conceptualización, la capacidad analítica, sintética y crítica; un mejor conocimiento del propio cuerpo, de las capacidades expresivas propias -tanto a nivel de lenguaje como de movimiento y musical- y el desarrollo de la memoria afectiva; explorar la intimidad creativa con la propia palabra, el movimiento y la música; despertar una cercanía y un disfrute no impuesto, sino participado, con el arte y la creación contemporánea.

Por último, el proyecto busca generar nuevos públicos, abrir los espacios de exhibición de las artes contemporáneas a los barrios y expandir su ámbito de influencia.

DOS NUEVOS RETOS: COMPAÑÍA PI(È)CE E INTERNACIONALIZACIÓN

Dejándonos guiar por estos objetivos y profundizando en esta práctica, en los dos últimos años hemos desarrollado dos ámbitos nuevos de acción. Por un lado, la creación de la compañía PI(È)CE que reúne a todas aquellas personas que durante estos diez años de trabajo hemos conocido y que se han sentido interpeladas e identificadas con el proyecto queriendo así profundizar y darle continuidad a su propia aventura escénica. La primera producción de este grupo es Li diuen mar (2016), en el marco del Festival Grec y estrenada en el Teatro del CCCB. La segunda gran producción llega en 2019, también en el marco del Festival Grec y en el Teatro del CCCB, con el título Oi Néoi (els nous), con gran éxito de público y crítica. Esta compañía es permeable a nuevas incorporaciones y trabaja en una dinámica más profesionalizadora, profundizando en las técnicas y la investigación escénicas propias de un proceso de creación artístico.

Por otro lado, entre 2018 y hasta 2021, PI(È)CE forma parte del proyecto europeo RAPPORT, subvencionado por el fondo Creative Europe de la Unión Europea.

PROYECTO EUROPEO RAPPORT

En 2018, el Programa PI(È)CE entra a formar parte del proyecto europeo RAPPORT, con tres socios más: ACTA (Bristol), Historieberättarna (Suecia), Teatr Grodzki (Polonia). Este proyecto de desarrolla durante tres años (2019-2021).

RAPPORT es un proyecto de cooperación entre cuatro socios europeos que, a lo largo de 31 meses, facilita espacios de encuentro artístico entre refugiados y comunidades de acogida, utilizando y desarrollando diferentes prácticas artísticas y colaborativas.

RAPPORT enfoca su trabajo en la convivencia artística y social entre individuos de las comunidades migrantes con el propósito de: crear redes más fuertes, mejorar el perfil de la colaboración artística constituida por refugiados y por su comunidad de acogida, mediante proyectos de colaboración más grandes y visibles, y, a la vez, compartir y enriquecer la práctica artística, diversificar tareas y generar un legado sostenible para acompañar la continuidad y el desarrollo de la integración a través de las artes.

RAPPORT quiere explorar nuevos caminos y formas más allá de las fronteras, imaginando espacios y plataformas interculturales, mediante colaboraciones innovadoras para establecer conexiones artísticas entre diferentes sectores de las comunidad de cada país, así como descubrir y celebrar todo aquello que, como seres humanos, compartimos.

BIOGRAFÍAS DEL EQUIPO ARTÍSTICO

Albert Tola

Albert Tola es dramaturgo, guionista, y traductor de alemán e italiano. Licenciado como dramaturgo por el Instituto del Teatro de Barcelona, complementó su formación dramatúrgica en los seminarios de escritura dramática de la Sala Beckett con José Sanchís Sinisterra, en la Universidad de las Artes de Berlin, y en la Escuela de Verano de San Miniato, Toscana. Ha trabajado con Constanza Brncic en tres piezas de teatro danza de intervención social (Si el otro existe, tal vez yo también, La fiesta en el lago y La flor de loto, Nou Tantarantana) y en las piezas El ejercicio de la fuerza I, II (Ateneu Nou Barris.) Por citar una parte destacada y resumida de su actividad artística, diremos que ha estrenado y publicado en catalán, castellano y francés sus obras Salento (Andrea Segura, Nou Tantarantana), El último secreto de James Dean (Roberto Romei, CAET, Nou Tantarantana) en la editorial Nova Escena, y ha visto publicadas las piezas El Desentierro y El sudor de sus manos cuando tiemblan, parte del espectáculo Mein Kapital (Cristina Yañez, Cuarta Pared), coordinado por el grupo de dramaturgos de El Astillero, de Madrid. Entre otras, ha estrenado las dramatúrgias, piezas a cuatro manos y adaptaciones de Los bajos fondos, de Maxim Gorki (Carme Portaceli, Teatro Nacional de Catalunya), Muchos recuerdos para Ivanov (Pep Tosar, Círcol Maldà), Sueños de sueños (Pep Tosar, Sala Muntaner), Michael Kohlhaas (Roberto Romei, CAET), Edipo Rey del Pop (Marta Gil, Temporada Alta), Los accidentos del Principito (Miquel Angel Raió, Teatre Principal de Palma), Obra de Cajal (Cecilia Ligorio, Real Academia de Medicina). Ha trabajado como dramaturgista en Alemania y Suiza junto a Irene Mattioli (Las amargas lágrimas de Petra von Kant de Reiner Werner Fassbinder, Frío de Jon Fosse. Ha dado clases y coordinado el recorrido de guión en el C.E.C.C. (Centro de Estudios Cinematográficos de Catalunya) y en Bande à part, entre otros espacios pedagócicos, dónde ha sido asistente como profesor de Abilio Estévez, Theresia Walser o Roland Schimmelpfennig. Ha traducido para los escenarios a autores como Heinrich von Kleist, Heiner Müller, Deah Loher, Peter Handke, Falk Richter, entre otros. Su largometraje «Interferencias», dirigido y coescrito con Pablo Zarezeansky, ha recibido el Premio Oficial del Jurado del Festival Cinemariche, Génova.

Nuno Rebelo

www.youtube.com/nunorebelomusic

Nació en Torres Vedras, Portugal, en 1960. Arquitecto de formación y músico autodidata, se destacó en la música pop portuguesa sobretodo como líder de los “Mler ife Dada”, grupo mítico de los años 80 en Portugal.

Creó música para películas, teatro, coreografias, etc. En la danza, creó música para coreografias de Vera Mantero, Mark Tompkins, Paulo Ribeiro, Aldara Bizarro, Joao Fiadeiro, Constanza Brncic e Malpelo, entre otros. En teatro, para piezas dirigidas por José Wallenstein, Antonio Feio, Paulo Filipe Monteiro, etc. En el cine, para películas de Edgar Pera, José Nascimento, Jorge António, Jorge Paixäo da Costa, etc.

Fue el autor del himno de la Exposición Universal de Lisboa «Expo 98» (para orquesta sinfónica y instrumentos tradicionales de los 5 continentes), de la música de «Océanos y utopías» (un espectáculo de Philippe Genty visto por 4 millones de espectadores

durante la Expo 98) y de la música para los fuegos artificiales en la apertura de «Porto 2001 Capital Europea de la Cultura». También compuso el jingle publicitario de «Lisboa 94 Capital Europea de la Cultura», ganador del premio «mejor música publicitaria portuguesa 1994». En 2010 fué ganador del concurso internacional de composición “Thanatopolis” del I-Park, Connecticut, en la categoria “tone-sequence”.

Centra gran parte de su atención en la guitarra, desarrollando un lenguaje personal mediante continua investigación y experimentación, confirmándose entre los más innovadores guitarristas portugueses y recibiendo merecido reconocimiento internacional. Afirmando-se desde los años 90 en los territórios musicales de la libre improvisación, ha tocado con músicos como Agusti Fernandez, Agusti Martinez, Albert Cirera, Alexander Frangenheim, Anna Subirana, Bart Maris, Damo Suzuki, DjOLive, Don Malfon, El Pricto, Eric M, Gianni Gebbia, Graham Haynes, Hilmar Jensson, Hiroshi Kobayashi, Jakob Draminsky, Javier Carmona, Jean-Marc Montera, Joan Saura, John Bisset, Kato Hideki, LeQuan Ninh, Liba Vilavecchia, Massimo Zu, Michael Moore, Michael Vatcher, Paolo Angeli, Quicu Samsó, Peter Kowald, Ramon Pratt, Shelley Hirsch, Tom Chant, Vitor Nubla, Xavier Maristany, etc, así como con la mayoría de los improvisadores portugueses, entre los cuales Carlos Zingaro, Marco Franco, Carlos Bica, Carlos Bechegas, Telectu, Ernesto Rodrigues, Rodrigo Amado, etc.

En improvisación con danza actuó en varios países europeus con los bailarines Mark Tompkins, Vera Mantero, Steve Paxton, Lisa Nelson, Julyen Hamilton, David Zambrano, Constanza Brncic, Frans Poelstra, Boris Charmatz, João Fiadeiro, María Muñoz, Pep Ramis, Andrés Corchero, Mathilde Monier, etc. Participó en «Tuning Scores» de Lisa Nelson (Centro Pompidou, París, 2003 / Brighton 2011 / Celrá 2012) y en el proyecto site-specific «En Chantier», de Mark Tompkins, que tuvo lugar en París entre 2001-04, durante la obra de renovación del Théatre de la Cité Internationale, presentando cada 3 meses espectaculos de improvisacion en el local de la obra y culminando en la inauguración del nuevo teatro. Actualmente integra el duo de improvisación danza / musica “Si se diera un cuerpo al bullicio”, con Constanza Brncic.

Nuno Rebelo se dedica también a la creación de esculturas sonoras. Sus obras en este ámbito han sido presentadas en Montemor-o-novo, Lisboa y ilha da Madeira (Portugal), Tromso (Noruega) y en la Bienal de Arte Ambiental del I-Park, en Connecticut, U.S.A, en 2011. Em 2013 ha sido invitado a pertenecer al juri de selección de los proyectos candidatos a esta Bienal.

Ha impartido talleres sobre técnicas experimentales para guitarra eléctrica en varias ciudades portuguesas, talleres de improvisación (en Portugal, Cabo-Verde y Mozambique), talleres de esculturas sonoras (Montemor-o-novo, Portugal, 2009 y 2012). En conjunto con Mark Tompkins imparten el taller «Audible movement, visible sound» sobre la contaminación performática entre danza y música (Estrasburgo, Lisboa, Bucarest, Viena, Toulouse, Mulhouse, Montemor-o-novo). Por invitación de la coreógrafa Emmanuelle Huyhn impartió en Paris un taller de performance con movimiento y feedbacks de micrófono.

Después de más de 10 años sin editar discos, sale en 2013 pela editora Creative Sources su primero CD de solos de guitarra: “Removed from the flow of time”. 

Julio Álvarez

Productor, director, gestor y pedagogo, cofundador en el 1992 del TeatreTantarantana que se ha mantenido en activo hasta el presente. Desde 2017, con la compra del edificio sede del Tantarantana por parte de l’Icub, éste pasa a formar parte de las Fábricas de creación del Ayuntamiento de Barcelona

Durante estos 28 años, ha realizado las tareas de dirección artística de la programación del teatro hasta el años 2018 y durante ese período se encargó de la producción de las producciones y/o coproducciones del Teatre Tantarantana (unas 65).

Actualmente ejerce de asesor a la dirección del Tantarantana y también es el responsable de proyectos internacionales y sociales del teatro .

También ha colaborado con la Red de Teatros Alternativos de España (de la que es socio el Tantarantana desde el año 1983), ocupando la presidencia entre 2004 y 2008; así como con la Asociación de Empresas de Teatro de Cataluña (Adetca) de la que formó parte de su junta directiva durante 8 años.

Como pedagogo ha trabajado como profesor de expresión dramática en el Curso de Postgrado organizado por la Escuela de Expresión y Comunicación, Carmen Aymerich del Ayuntamiento de Barcelona. También participó en la creación del curso de Arterapia organizado por la Asociación de Expresión y de Comunicación de Barcelona, ​​impartiendo el taller de dramaterapia.

Beatriz González Magadán

Trabaja en varios ámbitos de las artes escénicas: desde la creación e interpretación a la producción y ejecución técnica. Formada en carpintería por la Escuela Taller de Restauración de León, empieza a construir escenografías y artefactos para la compañía de teatro La Danaus, a actuar en sus espectáculos y finalmente, hacerse cargo de ella como empresaria teatral. Aprende música y técnicas de representación dramáticas, que en el transcurso de los años derivan en un interés por la expresión del cuerpo a través de la danza. Ha colaborado con Carles Santos, Solo Picó, La Fura dels Baus, Raravis y Antigua y Barbuda de entre otras. Actualmente trabaja estrechamente, como ayudante de dirección de la coreógrafa Constanza Brncic, profundizando en la investigación hacia el cuerpo escénico, y la pedagogía.

 

Contacto: Maika Pacheco

atic.associacio@gmail.com

 

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english

Since 2011, I have collaborated as scenic director and choreographer with playwrite Albert Tola, and Julio Álvarez in the creation of the project PI(È)CE:

PI(È)CE is an inter-generational scenic creation project from Barcelona. It first started in 2011, promoted and produced by Tantarantana Theatre, under the direction of choreographer ConstanzaBrncic and playwright Albert Tola. This last year we have accomplished our fifth edition with great social impact and artistic success.

For ten months, annually from October to July, we have worked with different groups of people, in different places of the city. On the one hand, teenagers and elderly residents of the inner-city neighbourhoods Raval and Poble Sec rehearse together in two local high schools, with the support of teachers and the school community. On the other hand, teenagers that are regulars in the Habitació 1418 project at the Centre of Contemporary Culture of Barcelona (CCCB) rehearse on Saturdays. Finally, a teenage choir of the social program Clavé XXI at Palau de la MúsicaCatalana work on part of the musical score. In different moments of the process the three groups come together with the aim of creating a combined piece which includes sound, movement and words, and explores themes which appear during the process, reflecting the interests and worries of the group.

The result of this way of working is a strong artistic and social experience which encourages reflection about learning processes and the function of creativity. It also provides a space to observe the social, political and economic contexts of the people involved. Through words, movement and sound, with people of all ages that come from different social contexts, different countries and languages, we meet to create a work of art that gives a new image of our own city: we create a new landscape, our landscape. The result of this process is presented every year at Tantarantana Theatre and this year was also presented at the Grec Festival of Barcelona at the Centre of Contemporary Culture of Barcelona Theatre (CCCB).

In the last five years the project has grown in participation, social impact, artistic quality and institutional involvement. We have worked with the support of IMEB (Intitute of Education of Barcelona) and Foment de CiutatVella. We have incorporated new partners: the Habitació 1418 project at the Centre of Contemporary Culture of Barcelona (CCCB)-Museum of Modern Art of Barcelona (MACBA), the Clavé XXI project at Palau de la MúsicaCatalana, Arrels Foundation, TotRaval Association and the Faculty of Education of UAB (UniversitatAutónoma de Barcelona).

LINK al video Li diuen mar: https://www.youtube.com/watch?v=HuqtnzSA2xM

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DESCARGA EL DOSSIER AQUÍ:

LINKS:

http://tantarantana.com/projecte-comunitari-social-piece/

Artículos:

http://redit.institutdelteatre.cat/discover?rpp=10&etal=0&query=Constanza+Brncic&group_by=none&page=1